Su hardware dispone de puertos que permiten a la consola expandirse y conectarse, ya sea con periféricos, otras consolas… Mientras que el firmware y software, proporcionaban actualizaciones de manera periódica a través de WiiConnect24.
Era compatible con el software de GameCube, la Game Boy Advance y el e-Reader (estas compatibilidades estaban limitadas a ciertas regiones). Se podía conectar con la nintendo DS (inalámbricamente) para usarla de controlador. También disponía de conexión online y control paterno.
Mando Wii con nunchuk (periférico)
compatibilidad GameCube
MODELOS
Wii original (modelo RVL-100)
Wii modelo rediseñado o Edición Familiar (RVL-101)
Wii Mini (modelo RVL-201)
TRAYECTORIA COMERCIAL
La consola se concibió por primera vez en 2001, justo después de que la GameCube saliera al mercado, buscando una nueva forma de interacción entre el jugador y el juego. Durante su desarrollo, la Wii recibió el nombre en clave “Revolution”, de ahí los nombres de modelo “RVL-”.
Salió en Estados Unidos en noviembre de 2006, seguido por Japón, Australia, Asia, Reino Unido y la mayoría de Europa. Desde su lanzamiento, las ventas mensuales de la consola han sido más altas en todo el mundo que las de sus competidores, habiendo vendido más unidades en el primer semestre de 2007 que Xbox 360 y PlayStation 3 juntas. En 2007 se convirtió en la segunda consola más vendida de la historia en Estados Unidos y Japón después de la Nintendo DS.
En 2011 Nintendo anunció el sucesor de la Wii, la Wii U, que incluía mejoras técnicas, un control con pantalla táctil y alta resolución, pero no fue tan exitosa como la Wii original.
JUEGOS MÁS VENDIDOS PARA LA CONSOLA
La consola anunció 21 juegos para su fecha de salida en EEUU, los cuales incluyen Wii Sports (siendo este el juego más vendido para la consola), The Legend of Zelda: Twilight Princess, Super Monkey Ball: Banana Blitz, Red Steel, Metroid Prime 3: Corruption y otros 12 que saldrían más tarde en 2006, como Super Smash Bros. Brawl.
Algunos juegos más nuevos para Wii incluyen franquicias como The Legend of Zelda, Super Mario Bros, Mario Kart, Pokémon y Metroid.
Llegaron a ser vendidos en pack junto con la consola*
Basado en la experiencia de Namco en las máquinas operadas por monedas, Kazunori Sawano decidió diseñar un videojuego de carreras para esta plataforma. El desarrollo duró tres años y , según los creadores, la parte más complicada fue producir el hardware necesario para el funcionamiento del juego, ya que el juego era demasiado ambicioso para funcionar en máquinas más antiguas.
Tan solo un año más tarde de la salida de Pole Position, en 1983, sucedió la gran crisis de la industria de los videojuegos, que fue protagonizada por la compañía Atari. Esto causó una caída en la calidad de los productos publicados en esa época y una subsecuente bajada de ventas para todo el sector. Finalmente, tras la caída de Atari debido a esta crisis, ocurrió el ascenso a la gloria de Nintendo con la NES y Super Mario Bros, lo cual fue el renacer de la industria del videojuego a nivel mundial.
4.Descripción y características
En este juego el jugador controla un coche de fórmula uno y tiene que completar un circuíto en un tiempo determinado mientras evita salirse de la pista para no chocarse con las señales y esquiva las barreras y los otros coches. Si chocas con algo, tu vehículo se destruye pero la partida continúa con la pérdida de tiempo que supone tener que recuperar la velocidad. Los controles eran muy simples, pues solamente tenías que acelerar, frenar y girar para esquivar los obstáculos.
Los gráficos del juego eran con escenarios en color y sprites que cambiaban de tamaño para generar una sensación de perspectiva, creando así una experiencia “pseudo-3D” en tercera persona que hizo famoso al juego por su increíble realismo de conducción para la época.
5.Relevancia en la historia de los videojuegos
Pole position no fue el primer juego de su género, ni tampoco el primero en adoptar una cámara trasera en tercera persona. Sin embargo, en 1982, consiguió capturar la imaginación de los fanáticos del arcade, y en la actualidad, ha trascendido como un referente para los juegos de carreras que le suceden.
En sus tiempos, Pole Position simuló velocidad y precisión de forma revolucionaria, factores a los que se atribuye parte de su éxito en los 80’s. Además destacó por ser el primer videojuego en el que aparece un circuito que existe también el la vida real (“Fuji Speedway”).
Productora/Distribudora: Vitagraph Company of America
Año: 1907
Duración: 5 min.
GÉNERO/ESCUELA
La película mezcla comedia con terror a través del stop motion y el live-action.
CONTEXTO SOCIAL, POLÍTICO Y CULTURAL DEL MOMENTO Y POSIBLE INFLUENCIA
El primer clip de animación japonesa (1907), grandes avances tecnológicos, entre ellos el primer vuelo en avión controlado o el automóvil. América se encontraba en un lugar económicamente feliz, de prosperidad y, materialmente, nunca habían estado mejor. Dentro de este esta comodidad se empezaron a poder permitir más tiempo libre y proliferaron en el campo del ocio, lo cual se puede ver reflejado en la propia cultura (por ejemplo la animación).
SITUACIÓN DE LA ANIMACIÓN CUANDO SE REALIZA LA PELÍCULA
El director, James Stuart Blackton, es contemporáneo de otros pioneros del cine de animación, como Georges Méliès, Segundo de Chomón o Ladislaw Starewicz. En esta época, la animación estaba apenas comenzando a establecerse como medio de cine y expresión artística, y la mayoría de obras eran producidas por autores independientes.
ARGUMENTO/SINOPSIS
En una noche oscura y tormentosa, un viajero alquila una habitación en un espeluznante hotel en el bosque. Tan pronto como el propietario se va, la habitación cobra vida con fantasmas y fenómenos paranormales que atormentan al hombre mientras intenta desempacar, comer y dormir.
ANÁLISIS DE LA PELÍCULA
En la primera escena observamos un plano general del hotel encantado, en el que vemos como este tiene vida propia y se mueve, también tiene cara.
Después observamos varias escenas en las que el inquilino observa asustado y desesperado como sus pertenencias se mueven y desaparecen. A continuación, un hombre, posiblemente el propietario del hotel o un trabajador, le trae el desayuno. Se nos muestra como el desayuno se prepara solo y aparece en la escena una marioneta que sirve la leche y fuma de una pipa (escena hecha con stop-motion). Luego una sábana comienza a volar sola, el inquilino la atrapa, la coloca, y se pone el pijama. En el desenlace el hombre se acuesta y se echa a dormir.
Se trata de una historia simple, cuyo principal objetivo es entretener y la experimentación con la técnica del stop-motion. Fue una de las primeras obras de animación stop-motion.
RELEVANCIA EN LA HISTORIA DEL CINE DE ANIMACIÓN
Esta película fue una gran innovación técnica en su momento, siendo una de las películas pioneras en cuanto a animación stop-motion, que además aparece combinada con acción real. Junto con otras obras de Stuart Blackton, como The Humorous Phases of Funny Faces (1906) o The Humpty Dumpty (1908), fue muy influyente para autores posteriores de animación dibujada, stop-motion y con muñecos.
James Stuart Blackton nació el 5 de enero de 1875 en Sheffield, Yorshire (Inglaterra) y cuando tenía 10 años, emigró a Nueva York con su familia. Trabajó en el periódico New York World como reportero e ilustrador, y conoció el cine gracias al Quinetoscopio, de la mano de Thomas Edison.
Tuvo cuatro esposas y cuatro hijos entre 1890 y 1941, cuando moriría al ser golpeado por un automóvil.
BIOGRAFÍA ARTÍSTICA
En su trabajo como reportero, Blackton fue enviado para entrevistar a Thomas Edison en la presentación de uno de los primeros proyectores de películas: el Vitascopio. Edison le mostró el lugar donde solía filmar, y creó una película donde Blackton aparecía haciendo un retrato al inventor. Aquí inicia la carrera cinematográfica de Blackton, pues le compró a Edison un Vitascopio y nueve películas para hacer negocio con ellas.
Así, Blackton y su socio Albert E. Smith, dieron el paso de crear sus propias películas y controlar la empresa llamada Vitagraph Studios. Blackton emplea la técnica del stop-motion (anteriormente usada por Meliédes) en “The Enchanted Drawing”. Seis años después, James Stuart Blackton dirigiría “Humorous Phases of Funny Faces”, que usa la técnica del stop-motion, así como títeres, junto a efectos de acción en vivo; y tuvo un efecto estsimulantes en la creación de películas animadas en América. Ese mismo efecto, lo conseguiría en Europa con “The Haunted Hotel”; antes de crear en 1915 una película llamada “The Battle Cry of Peace”, que contaba con un regimiento de marines como extras, generando controversia al ser considerada propaganda militaristas.
CARACTER´ÍSTICAS CINEMATOGRÁFICAS
James Stuart Blackton inició su carrera cinematográfica a través de imagen real, pero alrededor de 1905 inició una transición al uso del stop-motion, al cual ya había dado sus primeros pasos con obras como The Enchanted Drawing (1900).
Guión: Sadayuki Murai. Basado en la novela de Yoshikazu Takeuchi
Música: Masahiro Ikumi
Animación: Hisao Shirai, Yôichi Kuroda
Productor: Rex Entertainment / Madhouse
Año: 1997
Doblaje: Rica Matsumoto , Shinpachi Tsuji, Emi Shinohara, Masashi Ebara, Kiyoyuki Yanada y Tôru Furusawa
Premios: Festival de Sitges: Mejor largometraje de animación (1997)
Fantasia Film Festival: Mejor largometraje animado (1997)
Fantasporto: Mejor película animada (1998)
B-Movie Film Festival: Mejor largometraje animado (2000)
GÉNERO/MOVIMIENTO/ESCUELA
Animación para adultos del género Terror, Drama psicológico y Thriller psicológico.
CONTEXTO SOCIAL, POLÍTICO Y CULTURAL DEL MOMENTO Y POSIBLE INFLUENCIA
Basada en la novela de Yoshikazu Takeuchi de 1991 con el mismo nombre, esta película es una crítica a la sociedad “otaku” (referida a los fans de las idols en ese momento), enormemente popularizada en los 90s.
La aparición de internet, junto con la popularización de las “Idols” japonesas, idealizadas de (a veces) formas obsesivas; lleva a esta película a señalar los límites que estaban siendo sobrepasados por algunos fans en esos momentos, parándose a pensar en lo que esto suponía para la privacidad y la salud de las artistas. El contexto político parece no influir en la obra, pues a pesar de haberse celebrado elecciones generales 4 meses antes del estreno, lo cierto es que la película está basada en una novela con 6 años de antigüedad.
SITUACIÓN DE LA ANIMACIÓN CUANDO SE REALIZA LA PELÍCULA
Los avances de Blancanieves y Toy story (películas pioneras) ya ubicaban la época en un contexto de auge, éxito y novedad para la animación. Entonces, entorno a la mitad de los 90, el anime comenzó a hacerse paso en norteamérica, Robotech se hizo muy popular entre los fanáticos y Akira demostró que el Anime tenía un hueco en el mercado Americano. Se produjo un boom de este tipo de contenido, sin embargo, con él creció el estigma de que era muy violento, vulgar y demasiado alternativo. Estigma que series como Sailor Moon, Dragon Ball o Pokémon desmintieron, demostrando que el anime era extremadamente rentable. Hayao Miyazaki (Estudios Ghibli) tuvo gran repercusión en la cultura popular, y se convirtió en un importante referente para Disney, especialmente La Princesa Mononoke.
La exitosa y repentina aparición del anime al público general del oeste, resultó en cierto modo amenazante para los animadores y directores americanos, impulsando la innovación artística por parte de estos y dando comienzo a la era milenaria de la animación. Esta comienza en los 2000 y cobra especial interés por la técnica digital y Flash.
ARGUMENTO/SINOPSIS
Mima Kirigoe es la cantante del trío de J-Pop “CHAM” que tras un concierto anuncia que se apartará del mundo de la música para actuar en una serie de televisión. La reacción de los fans y una página de internet en la que publica su stalker hace que Mima caiga en una profunda depresión que la lleva a replantearse su vida y su carrera, pero su crisis se agrava cuando, para cambiar su imagen pública, hace una escena sexual en la serie de televisión en la que actúa. Mima comienza a confundir la realidad con los sueños y con el personaje que interpreta en la serie de televisión, y se ve acosada por una alucinación de su otro yo cuando aún era parte del grupo, lo cual hace que se cuestione su propia identidad. El desarrollo de los acontecimientos, llevados por una serie de asesinatos y su propia intuición, llevarán a Mima a un desenlace completamente inesperado.
ANÁLISIS DE LA PELÍCULA
ESTRUCTURA
En cuanto a la estructura de la película podemos diferenciar las siguientes partes: La introducción, en la que se nos muestra quién es Mima Kirigoe y por qué decide dejar su carrera musical para ser actriz, además de mostrarnos las primeras reacciones de los fans; el nudo, en el cual vemos el deterioro de la salud mental de la protagonista y no sabemos diferenciar lo que es real de lo que no y el desenlace, donde se descubre la verdad y se nos muestra el futuro de Mima después de que logre escapar.
PRINCIPALES ESCENAS
La película comienza con la escena del concierto de CHAM, en la que se nos muestra la imagen idealizada de Mima que tienen los fans y el acosador Me-Mania, además de la reacción inicial al cambio de su carrera.
Una escena que marca el cambio de Mima como imagen pública y como personaje es el rodaje de la violación para la serie de televisión “Double Bind”, la cual afecta psicológicamente a Mima, que realmente no quería hacerla.
Otra escena importante es en la que Mima descubre que sus peces han muerto, lo cual es un hecho pequeño que causa que rompa a llorar por todo lo que está pasando en su vida, además de ser un detalle que le ayudará a descubrir la verdad.
Una escena icónica de Perfect Blue es la escena de la bañera, que llegó a ser recreada en la película Requiem for a Dream (2000). En ella se puede ver la desesperación de Mima por su crisis de identidad.
Cerca del final de la película, sucede la persecución en la que Rumi intenta asesinar a Mima, y después de la cual terminan las dos heridas antes de que las recoja una ambulancia. En esta escena se nos muestra como la delirante Rumi piensa ser la Mima verdadera, la que aún es cantante de Pop.
RELEVANCIA EN LA HISTORIA DEL CINE DE ANIMACIÓN
La banda sonora y el estilo visual de la película alientan la desorientación del espectador, haciendo del efecto inmersivo de la película una obra referente en su género. También fue adelantada a su época al hacerse preguntas sobre la identidad individual y lo que la enmarcación de las personas en internet conlleva, pues es ahora (con las redes sociales) un tema con mucha presencia.
Andrei Yurievich Khrzhanovsky es un animador, escritor y productor ruso nacido el 30 de noviembre de 1939 en Moscú. Es el padre de el director Ilya Khrzhanovsky y se casó con una filóloga llamada Maria Neyman. En 2011 se le concedió el título de Artista del Pueblo de la Federación Rusa.
BIOGRAFÍA ARTÍSTICA
En 1962 se graduó en el departamento de dirección de la VGIK, y desde 1982, ejerce como profesor de animación en los estudios soyuzfilm. Fundó el estudio SHAR junto con Eduard Nazarov, Yuri Norshtein y Fyodor Khitruk en 1993. Más adelante alcanzó la popularidad en el oeste gracias a su película Una Habitación y Media (2009). Además, fue en total dos veces ganador del Premio Estatal de la Federación de Rusia y de varios premios internacionales. Su película, La Armónica de Cristal (1968), se convirtió en un hito de la animación rusa, ya que fue la primera película animada en ser oficialmente censurada en la Unión Soviética.
CARACTERÍSTICAS CINEMATOGRÁFICAS
Desde los comienzos de su carrera con There Lived Kozyavin (Жил-был Козявин) de 1966, podemos observar una clara crítica al absurdo de la burocracia comunista. También vemos los rasgos que caracterizarán la producción de Khrzhanovsky, como son los personajes de estilo realista en ocasiones con rasgos faciales exagerados, caricaturizados y hasta deformados o grotescos, influenciados por el surrealismo, lo cual es más notable en La Armónica de Cristal (Стеклянная гармоника) de 1968. La animación de Khrzhanovsky era de movimientos rígidos y personajes y fondos muy detallados, a veces psicodélica e incluso abstracta, como podemos ver en Mariposa (бабочка) de 1972.
Los escenarios, al igual que los personajes, también son de proporciones exageradas, y a menudo surrealistas o con arquitectura o geometría imposible, que recuerdan a las obras de Giorgio de Chirico. En varias de sus películas se observa la influencia del constructivismo, que fue un movimiento arquitectónico originado en Rusia a principios del siglo XX caracterizado por ser abstracto y austero. También cabe destacar la importancia de la música en gran parte de sus obras.
PELÍCULAS FUNDAMENTALES
La Armónica de Cristal: Cuenta la historia de una artesano que fabrica una armónica de cristal que saca los sentimientos más bonitos y puros de las personas. Este viaja a una ciudad donde la gente vive obsesionada con el dinero y se enfrenta a unos pérfidos burócratas sin corazón. Debido a la crítica política que conllevaba la alegoría del filme, se convirtió en la primera película de animación oficialmente censurada por la Unión Soviética.
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Historia de la animación y los videojuegos 